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<title>Antecedentes</title>
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<ul class="list-container">
<li class="list-element"><a href="Intro.html">Introducción</a></li>
<li class="list-element"><a href="Antecedentes.html">Antecedentes</a></li>
<li class="list-element"><a href="Marco-teorico.html">Marco Teórico</a></li>
<li class="list-element"><a href="Khuddaka.html">Khuddaka Nikaya</a></li>
<li class="list-element"><a href="Anguttara.html">Anguttara Nikaya</a></li>
<li class="list-element"><a href="Samyutta.html">Samyutta Nikaya</a></li>
<li class="list-element"><a href="Conclusiones.html">Conclusiones</a></li>
<li class="list-element"><a href="Bibliografia.html">Bibliografía</a></li>
</ul>
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<section>
<h1 style="text-align:center";>Antecedentes</h1>
<p>Durante la investigación realizada para el trabajo, se contemplaron múltiples compositores y piezas musicales, buscando aquellas cuyo propósito inspirara el fin último de estas composiciones: unas piezas que - más allá de ambientar la meditación, transmitieran las enseñanzas del Buda. A continuación, se presentan los principales compositores y piezas que sirvieron de inspiración para dichas composiciones:</p>
<h2>Compositores:</h2>
<h3>Ricardo Dal Farra</h3>
<p>Ricardo Dal Farra es un compositor nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1957. Doctor en Estudio y Práctica de las Artes de la Universidad de Quebec. Dal Farra ha desarrollado una intensa labor como docente en varias instituciones como la Universidad Nacional de San Martín, Universidad Nacional Tres de Febrero, Conservatorio Nacional de Música, entre otras. (Dal Farra, 2008)</p>
<p>Según el mismo Dal Farra:</p>
<p class="quote-container">Como investigador, Dal Farra se ha enfocado en años recientes a la documentación y preservación de la música electroacústica y las artes electrónicas (UNESCO, 2002-2003; The Daniel Langlois Foundation for Art, Science, and Technology, 2003-2004 y 2007-2008; PhD thesis, UQAM, 2006; CEIArtE-UNTreF, 2007-2008); la comunicación multimedial (Comunicación Multimedial, INET - Ministerio de Educación, Argentina, 1996-1999; Redi - Recursos Didácticos Multimediales, Ministerio de Educación de Argentina, GTZ de Alemania y Apple de Estados Unidos, 2000-2001); recursos para la investigación/creación en artes electrónicas y creación de redes de colaboración online/comunidades virtuales (EARS, MTI - De Montfort University, 2006-2007; Base de Datos con Recursos para las Artes Electrónicas - BaDArtE, CEIArtE-UNTreF, 2006-2008; Redcatsur - Red Latinoamericana de Ciencia, Arte y Tecnología, 2007-2008). Dal Farra ha publicado alrededor de 100 artículos sobre <i>media arts</i>, música electroacústica, nuevas tecnologías y educación.
</br>
(Dal Farra, 2008)</p>
<p>Dal Farra se ha presentado en más de 40 países y recibido premios de varias organizaciones como la International Computer Music Association, Fondo Nacional de las Artes de Argentina, Bienal Internacional de Artes de Sao Paulo, entre numerosas otras. (Dal Farra, 2008)</p>
<p>Dal Farra ha compuesto una gran cantidad de estudios explorando el lenguaje electroacústico, y sirviendo de inspiración para la composición de las piezas del presente trabajo.</p>
<h3>Arvo Pärt</h3>
<p>Arvo Pärt es un compositor nacido el 11 de septiembre de 1935 en Paide, Estonia. Conocido más por su técnica del tintinnabuli y por piezas como Fratres, Miserere, Fur Alina, etc.</p>
<p>Arvo Pärt es uno de esos compositores en el mundo el cual sus creaciones han cambiado significativamente la manera en la que entendemos la naturaleza de la música. No hay escuela de composición que Pärt siga ni enseñe, sin embargo una gran parte de la música contemporánea ha sido influida por sus composiciones usando tintinnabuli.</p>
<p>En 1938, la familia Pärt se muda a Rakvere donde comenzó a estudiar piano en la escuela de música de Rakvere bajo Ille Martin. Se gradúa de la secundaria de Rakvere en 1954 y continúa estudiando música en la escuela de música de Tallin bajo Veljo Tormis. Sus estudios fueron interrumpidos de 1954 al 56 por el servicio militar obligatorio impuesto en la Unión Soviética. En 1957, continuó sus estudios en el conservatorio estatal de Tallin bajo Heino Eller, graduándose en 1963. Varias obras compuestas durante sus años de estudiante pertenecen a la lista oficial de composiciones por él. En su búsqueda por la expresión propia Pärt recurre de manera más intensa a la música temprana y por años estudia el canto gregoriano, la escuela de Notre Dame y la polifonía del renacimiento.</p>
<p>En 1976, Pärt crea un lenguaje musical el cual llama tintinnabuli (de tintinnabulum - Latín para "pequeña campana"). El nuevo estilo aparece primero en una pieza corta para piano, Für Alina, seguido de Cantus in Memory of Benjamin Britten en 1977, Fratres del mismo año, Tabula Rasa y Spiegel im Spiegel del año 78.</p>
<p>Esta música también se puede describir como un estilo en el cual el material musical está extremadamente condensado, reducido a sólo lo más importante, donde el ritmo simple y las melodías, frecuentemente con un desarrollo gradual, y las voces triádicas del tintinnabuli se integran en el arte complejo de la polifonía, expresando la relación especial del compositor con el silencio.</p>
<p>Sus composiciones vocales, frecuentemente basadas en textos litúrgicos u oraciones cristianas, forman gran parte de su obra, entre ellas Passio de 1982, Miserere del 89(revisada en 1992), In principio de 2003, entre otras.</p>
<h3>Paweł Szymański</h3>
<p>Szymański nace el 28 de marzo de 1954 en Varsovia. En 1978 completa sus estudios con honores bajo el profesor Wlodzimierz Kotonski en la academia Frederic Chopin también en Varsovia. Estudia bajo Tadeusz Baird y Roman Haubenstock-Ramati en Viena entre los años 1978 y 1985. (Culture.pl, 2019)</p>
<p>La música de Szymański es altamente sofisticada y siempre sujeta a una disciplina técnica estricta que aún logra atrapar al oyente con su variedad de emociones. (Culture.pl, 2019)</p>
<p>Dice Szymański que todo lo que ha hecho desde que compuso Partita II en 1978 es explorar el área de crear un nuevo contexto usando los elementos del lenguaje de la tradición. El material sonoro de sus obras tiene raíces en el pasado con referencias al barroco el cual procesa en la segunda etapa de su proceso creativo, dándole nueva estructura e invitando al oyente a jugar con convenciones musicales. (Culture.pl, 2019)</p>
<p>Comenta Szymański en una entrevista sin publicar de 1986 con Trochimczyk: (como se citó en Grzegrzulka, 2001)</p>
<p>No sé qué es un sonido bello. La belleza es por supuesto una dimensión básica de toda obra de arte, pero al nivel estructural y no en los elementos de la materia. Obviamente en sus aspectos psicológicos y físicos los sonidos como estímulos pueden ser agradables, neutrales o desagradables, pero este hecho no tiene nada en común con la belleza. ¿La fuga en Si menor de Bach del primer volumen del Clavecín Bien Temperado es bella, pero es una triada de Si menor bella? Como dije antes la belleza es una problemática general y fundamental de la música.</p>
<h2>Piezas:</h2>
<h3>Gesang der Jünglinge - Karlheinz Stockhausen</h3>
<p>Esta obra por Karlheinz Stockhausen es una composición de naturaleza religiosa hecha entre 1955 y 1956 donde Stockhausen, basándose en el canto de los tres jóvenes del libro de Daniel, hace una obra combinando en un continuo la voz cantada y la electrónica. Esta obra contiene elementos de serialismo integral, donde Stockhausen crea 7 niveles de inteligibilidad del canto y modifica el canto en orden de palabras, sílabas e incluso fonemas. Posterior a esto, hace una analogía entre tres sonidos electrónicos y tres tipos de fonemas, asociando las vocales con tonos sinusoidales, las consonantes con impulsos y las consonantes sibilantes o fricativas, como la f o la s, con el ruido blanco, dado que el último tipo de fonema sólo son filtros de lo más cercano que llega el ser humano a imitar el ruido blanco. (Andreyev, 2017)</p>
<p>Aunque la pieza es un logro de sus tiempos porque era considerablemente más difícil hacer música electroacústica en la década de los 50 comparado al día de hoy, la pieza es poco clara en su temática. El idioma usado, el alemán, no es un idioma hablado por una gran cantidad de gente y por lo tanto la temática queda oculta por los procesos que se le hacen.</p>
<h3>Mantra - Karlheinz Stockhausen</h3>
<p>Esta obra para piano y modulador de anillo, compuesta por Stockhausen, usa una única secuencia de 13 alturas, cada una con una dinámica distinta, un gesto distinto y una duración diferente, que aunque no es distinta para cada una de las 12 alturas, toma un papel importante en el desarrollo de la misma, dado que la pieza distribuye dicha duración según la duración de cada altura. Simultáneamente, cada sección se ordena y se plantea según el gesto de cada altura: la primera altura es un gesto cromático ascendente, y por lo tanto, después de exponer el dicho mantra, la siguiente parte es una sección llena de gestos cromáticos ascendentes. La segunda altura la rodea un mordente, y su segunda parte está llena de mordentes, entre otros elementos. Stockhausen concebía la pieza como si creara un sistema alrededor de cada altura y la sección "orbitaba" esta altura, pero no en términos tonales sino gestuales y rítmicos. Por último, la pieza también pasa por un proceso de "estirar" el mantra, en donde los intervalos van aumentando o disminuyendo en distancia a lo largo de la pieza. (Stockhausen, 1973)</p>
<p>De no conocer el lenguaje o la intención de Stockhausen, la pieza no es clara. No hay indicación que evidencie que la primera parte posterior a la exposición del mantra tratará los gestos hechos en la primera altura, ni una indicación de su duración. Lo mismo aplica para el resto de la pieza.</p>
<h3>Miserere - Arvo Pärt</h3>
<p>Según Hermann Conen:</p>
<div class="quote-container">
<p>Miserere comienza en la escueta nota de la existencia humana. Una voz sola comienza a cantar en una alternancia regular de sílabas cortas y largas, entonando el primer versículo del salmo 51. Para darle peso a lo que se está diciendo, una pausa le sigue a cada palabra, apropiada al sentido y sonido de cada declaración. El clarinete gentilmente interrumpe con tonos del mismo acorde. Cada uno de sus arpegios le sigue una pausa antes de que la voz comience a hablar. Posteriormente, los tonos cálidos y profundos del clarinete bajo comienzan a proveer las primeras conexiones de sonido. Aquí justamente lo que está pasando, usando los medios más sencillos y un mínimo de elaboración musical, no es más que dándole entrada al sonido anticipando el drama final. Este drama llega en el fin del mundo cuando lo divino, tomando la forma musical del Dies Irae del réquiem, llega al mundo del hombre. El mundo del hombre es representado por cantantes con el libro de la vida quienes son completamente dependientes de la misericordia de dios, se silencian después de un poderoso crescendo, y así se quedan durante los primeros 7 versículos del Dies Irae.
</br>
(Conen, s.f.)</p>
</div>
<p>La obra es principalmente sobre el silencio, el gran clímax dándose por la austeridad inicial de los elementos.</p>
<p>La ira divina entra al mundo con un gran poder; los miembros del coro celestial se turnan cantando el texto de Tomás de Celano sin pausa y aparentemente sin fin. ¿De qué otra manera podría ser representado el día del juicio final en la música del hombre excepto repentinamente e inesperadamente, dejando cualquier método convencional de crear un clímax musical completamente incapaz de lo mismo?(Conen, s.f.)</p>
<h3>Fratres - Arvo Pärt</h3>
<p>Pieza compuesta en 1977 sin una instrumentación determinada, Fratres incorpora un desarrollo melódico el cual siempre concluye en un "refugio." Se han compuesto varias versiones posteriores de la pieza, como la versión para 4 cellos en 1982, orquesta de cuerdas y percusión en 1983, para cuarteto de cuerdas en 1985, para octeto de vientos y percusión en 1990, entre numerosas otras. La pieza es otra de las numerosas piezas de Pärt que emplea el tintinnabuli.</p>
<h3>Miserere - Paweł Szymański</h3>
<p>Pieza compuesta en 1993 también basada en el salmo 51, Miserere alterna entre pausas, susurros y un canto gregoriano mientras se recita el salmo, mientras avanza hacia glissandos con las cuerdas mientras el coro sigue cantando. Parecido en estructura a la pieza del mismo nombre compuesta por Pärt, esta emplea más un concepto que Szymański define como "sur-convencionalismo." se constituye como una palabra que cubre todo lo hablado, una palabra inventada por Stanis aw Krupowicz y por Szymański hace 13 años. Es tal vez un neologismo raro. "Sur-convencionalismo" se refiere a música que ya está compuesta por elementos de una convención y frecuentemente en este proceso rompe las reglas de sintaxis aplicadas a esta convención. (Grzegrzulka, 2001)</p>
<h3>Erased, Over, Out - Nine Inch Nails</h3>
<p>Composición del álbum Further Down the Spiral de 1995 por Nine Inch Nails, la pieza es un remix de Eraser, compuesto por la misma agrupación. La pieza de manera más notoria está completamente acompañada de la voz de Trent Reznor ralentizada gritando "Erase me".</p>
<p>Further Down the Spiral deconstruye y reconstruye las piezas de The Downward Spiral, reconfigurando la música en maneras que son frecuentemente más interesantes y retadoras que las versiones originales. (Erlewine, s.f.)</p>
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